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Hace unos dias una artista se puso en contacto conmigo comentándome sobre una situación que tenía. Como es algo que ocurre a muchos artistas, he pensado en contestarle aquí, de esa manera puede servirle a otras personas que estén pasando por lo mismo.

Esta artista me decía: ” Llevo dos años en una especie de crisis que me está llevando a un tipo de obra que rompe de manera radical con mi pintura anterior pero no acaba de cuajar la nueva y me encuentro en un maremágnum de ideas y realizaciones muchas veces dispares…,agradecería cualquier tipo de consejo que me ayude a centrarme un poco más y encontrar mi camino.”

Primero de todo te diré que me he visto reflejada en tus palabras, porque he pasado por lo mismo.

La crisis es un tiempo de transición donde lo viejo no ha muerto y lo nuevo aún no ha nacido.

Mientras estamos en plena crisis es como si estuviéramos en el ojo de un huracán, todo se mueve a nuestro alrededor y eso nos crea un estado de inseguridad e insatisfacción que ya no sabemos lo que vale y lo que no vale. Eso nos puede llevar incluso a dejar de lado el trabajo y que ya no queramos ni aparecer por el Estudio.

Las crisis del artista plástico y en general todo tipo de crisis, nos vienen porque necesitamos cambiar, evolucionar, ya no nos sentimos cómodos haciendo las cosas igual que antes y esa incomodidad paradógicamente es la que nos va a ayudar. Pero las transiciones no son fáciles ni rápidas, todo tiene que escanciar. Como decía un sabio, adoptar el ritmo de la Naturaleza.

La influencia de las emociones. Nuestro trabajo creativo está fundamentado en nuestros sentimientos. La parte emocional y la parte creativa práctica forman un todo. Nuestras vivencias personales influyen en nuestra obra.

Sobre esto tengo una anécdota personal. Un día estaba yo dibujando una parte de la figura humana y por más que repetía y corregía el dibujo, no acababa de quedarme con la perfección que yo buscaba, ya aburrida lo dejé y seguí haciendo otras cosas que no tenían ninguna relación con ese dibujo. Al cabo de algunos meses, cuando volví a retomar el dibujo lo acabé con una facilidad pasmosa y con la perfección que se me resistió la primera vez. Lo curioso de esto es que yo no había practicado nada de figura humana durante ese tiempo. Eso me hizo pensar que también de manera inconsciente solucionamos lo que nos falta por resolver y que nuestras experiencias y vivencias emocionales influyen en el avance de nuestro aprendizaje en cuanto a destreza técnica. Tal vez el aprendizaje en otros campos aunque ajenos a nuestro trabajo creativo, puedan influir también.

Entonces para abordar con serenidad el problema y solucionarlo, lo mejor es aprovechar esa etapa incómoda, no verla como algo negativo, sino todo lo contrario, volverla a nuestro favor.

Pero desde el punto de vista práctico ¿Como debemos actuar ante una situación de crisis como la que hemos descrito?. Pues trabajando, trabajando y trabajando, nos guste o no nos guste los resultados que estamos obteniendo, porque puede suceder dos cosas; una que cuando pase un tiempo las obras de esa etapa no nos parezcan tan malas como creíamos cuando acabamos de pintarlas y otra que descubramos nuevos caminos estéticos, nuevas técnicas y que nuestra obra se vea enriquecida.

También puede pasar como me pasó a mi que después de hacer mil probaturas, pintando cosas diferentes pensando que el cambio iba a ser radical, me encontré con unos cambios muy poco significaticos y que en realidad me había servido para reafirmarme en lo anterior. Eso sí con ilusión renovada por emprender nuevos proyectos, una vez pasadas las dudas.

En esa etapa de experimentación, donde estamos a la búsqueda de algo, es como cuando nos iniciamos en la Pintura que pintamos una obra de cada manera, un batiburrillo. Entonces para no dispersarnos en mil ideas y lineas diferentes, lo mejor es centrarse en una temática y dentro de esa temática, centrarse sólo en un motivo, por ejemplo; si queremos pintar bodegones, pues elegir uno de los objetos que componen ese bodegón y este podría ser, una taza, entonces vamos a hacer un ejercicio de contención y disciplina y vamos a pintar esa taza en todas las variantes posibles en cuanto a luz, color, tamaño, etc. ¿Verdad que es una tarea infinita? ¡Podemos pintar tantas veces esa taza! Veinte, treinta, cien…, de eso se trata, de pintar una serie de la misma taza. Agotar todas las posibilidades que ese objeto nos inspire. Eso por un lado va a dar coherencia a nuestro trabajo desde el punto de vista estético y a la vez vamos a aprender a captar la esencia de ese objeto.

Morandi hizo esto, pintó una y otra vez los mismos objetos cotidianos que tenía a su alrededor, sus colores apenas variaban de una obra a otra. Sus composiciones están llenas de misterio y de magnetismo. Repasas con la vista los objetos, comparando entre una obra y otra para ver las diferencias. Cristino de Vera hace algo similar a Morandi, en una labor de investigación sin concesiones, pinta casi siempre los mismos objetos en escenas y colores muy parecidos. No quiero decir con esto que debamos seguir su ascetismo y entrega casi monacal, pero estos ejemplos nos van a servir como ejercicio.

Y por último la humildad es muy importante para controlar la ansiedad; admitir que llegamos hasta donde llegamos en este momento, nuestros recursos pictóricos son los que son y no hay más. No exigirnos por encima de lo que es nuestra capacidad. Ya llegaremos a esos puertos, pero en su momento. Poco a poco iremos adquiriendo esos recursos, esa soltura técnica, ese dominio del color, esa impronta personal. ¡Si tenemos ambición y trabajamos para ello, lo vamos a conseguir!.